Billy Squier "El gran héroe americano"

Imaginemos un híbrido entre la contundencia guitarrera de Jimy Page, los coros y teclados grandilocuentes de Queen, la comercialidad bien entendida de Brian Adams, y el físico y la chulería escénica de Paul Stanley. ¿Exagero? Noooo… Escucha “In The Dark”, “Lonely Is The Night”, o “Everybody’s Wants You” y sabrás a lo que me refiero. Visiona alguno de sus directos de los 80’s y comprenderás las condiciones de showman de éste hombre. Y a pesar de todo ello, en Europa no se comió una rosca. ¿Alguien lo entiende?.

Billy Squier, prototipo de rockero americano, yankee de los pies a la cabeza, capaz de construir los más diversos edificios musicales, desde la más grandilocuente balada, hasta el tema más heavy, pasando por el pop-rock bien entendido. El germen de su talento fue una pequeña banda de Boston llamada Piper, donde comenzó a dar rienda suelta a sus inquietudes musicales convertido en un guitar-hero local. Una buena banda, unas buenas ejecuciones, unas buenas canciones, no es para menos estando por allí Billy, pero nada que ver con lo que posteriormente acabaría facturando éste hombre.

Fuera ya de la familia Piper, construyó su arte entre el lustro comprendido de 1980 a 1985. Esos cinco años, más o menos, fueron sus años de gloria. Su debut “Tale Of The Tape” es un muy buen disco, el salto de calidad con respecto a Piper es evidente. Pero aunque muy bueno, era sólo un esbozo de lo que haría en sus dos siguientes álbumes, “Don’t Say No” y “Emotions In Motion”, dos bombazos en forma de LP y que dan el pistoletazo de salida al éxito masivo en EEUU. En 1984 sala a la venta “Signs Of Life”, buen disco pero sin la inspiración de los anteriores, aunque sigue manteniendo muy alto el nivel. 1986 marca el principio del fin en cuanto a popularidad se refiere. Ese año graba un buenísimo disco, que a mí particularmente me gusta mucho: “Enough Is Enough”, para posteriormente ser engullido por un nuevo movimiento musical surgido en Los Angeles, el Sleazy angelino comandado por unos jóvenes Guns & Roses. A pesar de que su buena época en cuanto a fama ya había pasado, siguió trabajando y sacando discos. Si en su fuero interno todavía aspiraba a respirar un poco en la jungla musical de la época, la idea fue definitivamente enterrada por ese monstruo llamado Grunge, que arrasó con todo y con todos, y que hundió en el olvido a toda una generación de artistas.


Sus poderes: Todo el disco “Don’t Say No”, todo el “Emotions In Motion”, canciones de otros LP’s como “She’s a Runner”, “Rock Me Tonight”, “All Night Long”, “Don’t Let Me Go”, “Love Is The Hero”…….. Asimismo es muy recomendable el vídeo en directo “Live In The Dark” filmación en concierto de 1983, en sus mejores días. En su día salió en VHS, desconozco si se ha editado en DVD.

En la actualidad sigue en activo girando por USA con un gran éxito de público dadas las circunstancias, y sacando al mercado varios discos recopilatorios, que aunque un tanto repetitivos, es una buena forma de entrar en contacto con su música. Yo particularmente todavía tengo la esperanza de que sea capaz de facturar otro gran disco, nos lo debe.

Del Shannon "Rock On"

El último álbum que grabó Del Shannon, “Rock On!” de1991, es un testimonio digno de un gran artista que nunca perdió lo que le hizo grande. El álbum es apasionado, dramático, emocional y lleno de grandes canciones. La mayor parte de todo lo que tenia esa increíble y majestuosa voz de Shannon te la podrás encontrar en esta su última y magnifica obra. Su voz gruñendo en "Walk Away", su canto suave al alza sobre el tema "I Go to Pieces", o su dolor en forma de falsete en "Callin’ Out My Name". Se podría decir que el cantante estaba en uno de los mejores momentos de su carrera, quizás no tan ágil como cuando comenzó a grabar casi 40 años atrás, pero todavía conservaba esa habilidad para componer canciones que calan hondo y te acompañan de por vida, temas como “Who Left Who”, “Lost In Memory” o “”Walk Away”, dan buena muestra de lo que era capaz este hombre.
Dicen, y es verdad, que la producción llevada a cabo por el gran Jeff Lynne, sonaba en demasía a las producciones que por aquel entonces había echo para su gran amigo Tom Petty en “Full Moon Fever” o “Into The Great Wide Open”. Pero lo que para unos pudiera ser un problema, para mi es, o fue una bendición. Siempre me ha gustado esa forma de producir del cantante y líder de la Electric Light Orchestra con ese montón de guitarras acústicas por detrás de las eléctricas y con esos maravillosos arreglos de cuerda, violines, cellos y orquestas varias.
Quizás, lo que estaban haciendo Jeff Lynne y Tom Petty, que participan en todo este maravilloso álbum con los Heartbreakers, era, preparar el terreno para Shannon que había sido elegido para sustituir al gran Roy Orbison en esa obra de arte que fueron lo Travelin’ Wilburys. Pero claro, soportar la muerte de dos grandes amigos en tan corto espacio de tiempo no es fácil y terminaron por dejarlo. Con el paso del tiempo y mitigado el dolor de semejantes perdidas, amigos íntimos de los Travelin’Wilburys, declararon en broma, que no se les ocurriera llamarlos a ellos para sustituirlos por lo que pudiera pasar. En fin, cosas del mal fario, gafe, o del destino aparte, si os gustan álbumes como los antes citados, o el “Mistery Girl” de “The Big O”, no dejéis escapar este fantástico último testimonio del gran Del Shannon. DOWNLOAD. AQUÍ.

Del Shannon - Are You Lovin' Me Too

Del Shannon - What Kind Of Fool Do You Think I Am?

Ryan Bingham "Largas sombras en el desierto"

Ryan Bingham estará viviendo un momento dulce en su trayectoria musical. No sólo ha conseguido el galardón a la mejor canción por su aportación a la banda sonora de Crazy Heart donde el gran Jeff Bridges consiguió el oscar a la mejor interpretación masculina sino que está siendo revalorizado por los "mass" media de su país que lo catalogan de autor en alza.
Y a mi parecer, no necesita un carajo todo eso. Y es que Bingham es un gran autor de canciones que puede, y de hecho lo hace, vivir de su música sin necesidad de la parafernalia y el oropel que al gran público gusta tanto y que tanto suele lastrar a los autores en general. Con esto no creo que el de Hobbs, New Mexico, tenga ningún reparo en promocionarse y ganar pasta pero, no necesita lo superfluo cuando tiene ese puñetero talento como para crear este, su último disco hasta la fecha, sin contar la BSO de Crazy Heart, titulado: “Roadhouse Sun” el cual nació a finales del año pasado y que, inexcusablemente, no habíamos rendido cuenta de él hasta hoy.
El álbum es un magnifico compendio de Rock And Roll, sonido Roots-Americana y Country-Blues rural que te empuja a cerrar los ojos y sentir el crujido de la gravilla del desierto bajo tus botas de cuero mientras el viento te lame la piel e impulsa, a lo lejos, a las águilas y buitres que arrastran su grito más allá de donde alcanza la vista.
Roadhouse Sun es alegría de vida y ganas de Rock en esos garitos perdidos situados en ninguna parte y llenos de la peor gente. Es melancolía y añoranza de amores perdidos o jamás logrados. Son sabanas húmedas de deseo o camas frías y vacías como el alma de sus dueños. Son recuerdos de la niñez entre algodón en flor y ríos que refrescan la piel y atemperan el alma. Son paseos por bosques tan verdes, de árboles tan altos, que el viento se enreda en sus copas y se olvida de que tiene que soplar y arrastrar el polen y sostener al cuervo y al halcón.
Roadhouse Sun son amaneceres en esos propios moteles de carretera viendo ese sol salir por un horizonte incierto pero, igualmente atractivo. Son los sueños, los buenos y los malos, que toda esa gente anónima y derrotada o perdida, tiene hasta que el sol le anuncia que hay otro día de vida, otra oportunidad que perder o aprovechar.
Roadhouse Sun son canciones de gente que nunca has conocido y que, sin embargo, se tropieza contigo a cada minuto de tu vida.
Escúchatelo, Ryan Bingham se explica mejor que yo.

Ryan Bingham - Day Is Done

Ryan Bingham - Rollin' Highway Blues

Lapido "Música Celestial"

En 2002 Lapido termina su disco Música Celestial y con él da un paso más en afianzar su carrera en solitario ya que, en comparación con sus dos obras anteriores, el de Granada demuestra una comodidad en lo vocal, sin forzar la voz al cantar, que hace que las canciones naveguen de principio a fin con facilidad. La estructura de las mismas es tambien un paso más hacia el mundo interior del guitarrista, que imprime a su instrumento una preeminencia en todo el álbum, plagado de Rocks contundentes como “Nadie Besa Al Perdedor” o “Noticias del Infierno” , ambas con unas letras soberbias que os recomiendo vivamente que, no sólo oigáis, sino que las escuchéis.
El disco tambien tiene en su interior Rock And Rolles de marcado carácter festivo, caso de “Tiros” o “manzanas Azules” y medios tiempos marca de la casa que al granadino le salen como respirar y que pudieran parecer fáciles a la hora de enfrentarse a su composición pero que, desde mi punto de vista, demuestran el talento al enfrentar una estructura de ritmo clara y concisa frente a las distorsiones o el ritmo contundente que bien podrian disimular ciertas carencias compositivas. Lapido se recrea en ritmos y juegos estilísticos con una guitarra que maneja de manera absoluta, escuchad como se superponen, de manera natural y sencilla las acústicas y las eléctricas en canciones como “Humo”, “hasta Desaparecer” o la que da titulo al disco y veréis como el autor es un orfebre del sonido.
La tristeza y la melancolía de la que se acusa, injustamente diría yo, al músico está, en este caso, justificada pues ese año fallecía de un infarto, ala edad de 42 años su hermano mayor y manager del propio Lapido y los 091, Javier García Lapido, dejando un vacío en el autor, no sólo a nivel emocional sino tambien creativo e incluso profesional. Javier, además de manager y colaborador de su hermano estaba en la discográfica del músico. Big Bang records, que terminó por cerrar dejando a Lapido en un cruce de caminos existencial. “No Queda Nadie En La Ciudad” o “El Carrusel Abandonado” dan muestras de esta introspección tan propia del músico.
Hablar de madurez en el caso de Lapido es absurdo ya que, en 091, había dejado muestras más que suficientes de su talento y visión del mundo y la naturaleza humana. Pero, para mi gusto, en este disco se reflejan tonos más reflexivos respecto de todas aquellas cosas que al de Granada preocupan e interesan. Como dice en la canción que culmina su disco: “Imposible”: -“Sólo intento ser libre y terminar esta canción, la vida no es tan horrible aunque puedo cambiar de opinión, busco algo, algo mejor que hacer y es imposible” No creo que haya nada mejor que hacer para José Ignacio Lapido que ponerme, y, si queréis, poneros, banda sonora a las partes de la existencia que la necesiten. Así se mira a ese incierto horizonte con otros ojos, creo yo.

Lapido - Noticias del Infierno

Lapido - Demasiado Tarde

John Tirado "Cambalaches y Talento"

John Tirado como nombre en la música que habitualmente se escucha en emisoras o se lee en revistas especializadas no es, probablemente, nadie conocido. Sin embargo, este neoyorquino afincado desde hace años en Palma de Mallorca ha resultado, para el que suscribe, una más que agradable sorpresa.
Cantante y compositor principal de la banda “The Nash”, la cual a mi personalmente, no me dice gran cosa. Se ha embarcado en esta su primera singladura en solitario creando catorce maravillosas canciones condensadas en esta “Fiesta A Cámara Lenta”.
Dice el músico que las canciones que no encajaban en los modos de The Nash, se iban, poco a poco, acumulando en grabaciones caseras que fueron desarrollando una vida propia y una necesidad de crecer y asentarse. Así nació “Slow Motion Party” un compendio de temas que, asumo, el autor hubiese querido escuchar en un disco al margen de estilos o modas. Y es que este álbum posee un eclecticismo envidiable donde se mezclan de manera natural Blues, Jazz, Power Pop, Americana, o Rock And Roll. Todo está maravillosamente desestructurado y no obedece más que al deseo de Tirado de hacer buenas canciones. Por ello si te escuchas “All The Lazy Stars” da la sensación de que la canción podría haberse incluido en algún disco de Thin Lizzy, al estilo de esa maravilla que era “Dancing In The Moolight”. Así, de igual modo, “Gang Of One” o “Suddenly” hacen guiños a sonidos más cercanos a bandas como Diamond Dogs y dando amistoso paso a sonidos Americana en canciones como “Who Makes You Stay”, “On My Radar” o “Let Me Take You Home”. John Tirado continua su paseo particular por sus gustos rindiendo merecido tributo a ese grandísimo músico, que tambien se exilió en su momento en este país, llamado Paul Collins con trallazos Power Pop como “How Much Can You Take”, “Winter By The Sea” y “Take It To The Grave” con maravillosas melodías Pop y guitarras al más puro sonido The Beat.
Una cosa que agradezco a John Tirado es su falta de fobias y prejuicios a la hora de engarzar estas catorce preciosidades musicales aportando, sobre todo, talento, naturalidad y amor por la música; obviando de este modo tantos muros absurdos en los que defendemos nuestras filias a muerte y denostamos a todo aquél que no comulgue con nuestros gustos.
Mención aparte la magnifica aportación musical de Chus Coll al violonchelo en temas como “On my Radar” o “High Definition” o al norteamericano Norbert Fimpel en esos saxos maravillosos de “All The Lazy Stars” o “Gang Of One”.
Este compañero de correrías musicales de Sammy Yaffa de los fantásticos Hanoi Rocks ha hecho que me enganche a este Slow Motion Party de igual manera que devoraba aquellos discos de mi adolescencia poniéndolo una y otra y otra vez.
Talento, pasión, cariño por lo que hace y grandes canciones unidas en este cambalache respetuoso ¿Se puede pedir más?

John Tirado - All The Lazy Stars

John Tirado - Gang Of One

Marshall Drew "Siguiendo los pasos de los gigantes"

Lo de Marshall Drew es algo curioso. La gente que lo escuche notará al menos dos circunstancias poderosas que pueden jugar a su favor o en su contra. La primera es su timbre de voz, y, por extensión la manera que el músico tiene de cantar. A mí, al menos, me recuerda a Tom Petty y esto es algo que muchos de los que tienen el Rock And Roll como almohada no suelen ver con buenos ojos. Enseguida resuena las palabras copia, plagio o imitador. La segunda cosa que puede no beneficiar al de Clarksdale, Missisippi, es que su manera de componer posee reminiscencias y formas compositivas que el propio Tom Petty y Bruce Springsteen han, diríamos patentado en su forma de trabajar la música. La conclusión es clara. ¿Merece la pena escuchar a un tío que es una especie de versión franquenstiniana de dos autores ya conocidos?
Rotundamente, si. Marshall Drew tiene 25 años se ha criado escuchando a los grandes al propio Petty que lleva más de 35 años en esto del Rock y tambien a Springsteen que sobrepasa casi los 40 en los escenarios. Todos imitamos a los demás, inevitablemente. El hijo al padre, la amiga normalita a la que se lleva a los chicos de calle. El adolescente al músico o actor con pintas. En el caso de Drew al margen de la lógica mimesis, está la influencia, el respeto la necesidad de hacer eso que los grandes han logrado. Y lo consigue. “A Million Different Shades” es un gran disco. Repleto de grandes canciones e interpretado con pasión y talento. Desde la canción que da titulo al disco con una letra fatalista y devastadora en lo literario, que te empuja a pensar que, a pesar de su juventud, Drew sabe lo que se hace, hasta canciones como “Before The Store Comes Down” donde el autor juega con los tonos y los modos del de New Jersey o “Further Down The Road” y “In The End” con juguetones ritmos del mejor Tom Petty o las maravillas que son “I Believe In You” o “Easy” grandes ritmos grandes canciones magníficamente interpretadas y grabadas con gusto y elegancia.
¿Te recuerda a…Se parece demasiado a…..? Quítate prejuicios y disfruta de esa mágica maravilla que es la música. Lo demás son tonterias y Marshall Drew, no las hace. Palabra.

Marshall Drew - In The End

Marshall Drew - Easy

¿Cómo pudimos sobrevivir a ésto 2º Parte?

Hace ya unas semanas, el amigo TwoHeadsOneBrain nos relató, con el gracejo que le caracteriza, el suplicio que le causó tener que aguantar en los incipientes 80’s a gente como Mabel o Leif Garret. La verdad es que aquello fue espeluznante, pero no fueron los únicos, no señor. Antes de eso, a finales de los 70’s, hubo una serie de artistas que se dedicaron a sembrar el pánico allá donde iban: programas de televisión, revistas de todo tipo, emisoras de radio, periódicos…. Recordemos aquella época, caracterizada por el boom de…… la música disco!!!

Los que seáis ya talluditos y tengáis cierta edad, recordaréis con cariño aquellas sesiones discotequeras: Decenas de bolas de espejo, humo, cutres bombillas de colorines (no había focos, eran bombillas), zapatos de plataforma, y la sensación de asistir al rodaje de la película Fiebre Del Sabado Noche. A los que no nos iba eso, pues nada, nos sentábamos, charlábamos, echábamos unas risas… La verdad es que yo en las discotecas siempre me he sentido como un Watusi en la Antártida, pero entonces no había otra cosa. Y la música….. Ejem…. ¿cómo explicarlo?. Vamos a recordar a algunos de aquellos irrepetibles artistas.

Boney M.: ¿Alguien se acuerda de ellos? Fueron la primera encarnación de Milli Vanilli, o sea, un grupo prefabricado, tres coristas que no cantaban (los discos los cantaban y tocaban músicos de sesión), que salían en la tele haciendo play-back, y con una especie de macho-man contorsionista al frente del grupo. Las coristas iban rotando, hasta el punto de que si Boney M. salían en la tele en el plazo de tres meses, es posible que no fueran las mismas. En españa tuvieron un éxito descomunal, hasta el punto de cantar algunas de sus canciones en castellano, e incluso dedicar una de ellas a un famoso bandido español: El Lute. Canciones como “Rivers Of Babylon” “El Lute”, “Rasputín”, “Ma Baker”, “Daddy Cool”…. Yo los recuerdo con cariño, eran la banda sonora de los autos de choque en las fiestas de los pueblos en aquella época. Música disco en estado puro.
Village People: Otro grupo prefabricado. Seis tipos cada uno de ellos caracterizados de forma diferente. Uno iba de policía motorista, otro de peón de obra, otro de militar, otro de jefe indio, otro de macho-man gay, y el último de cow-boy. Por supuesto con abundante pelo en pecho. Bailaban y hacían coreografías sobre música disco pegadiza y machacona. Muy parecidos a lo que Boney M. hacían, éstos también llegaron a un público masivo en españa, e incluso llegaron a ser considerados un icono gay (y según se dice, ellos no lo han desmentido). La verdad es que la imagen invitaba a ello, en ese aspecto no eran muy sutiles. “YMCA”, “Macho Man”, “In The Navy”, “Go West”….. Hicieron incluso películas!!! Durante años ha corrido el rumor de que el bajista de Manowar, el king of metal Joe De Maio, fue integrante de Village People. Por supuesto él lo niega, con los puños si es necesario. Poco a poco fueron cambiando sus miembros.. uuupppsss.... perdón, sus componentes. Los sustitutos seguían caracterizados como ellos, pero ya no fue lo mismo. Vamos, más o menos como hacen Kiss en la actualidad. Sus canciones también estaban en la lista de los 40 principales de los autos de choque.

Bee Gees: Los amos de la pista. Tres hermanos barbudos y con pelo en pecho que cantaban con voz en falsete bajo un ritmo discotequero. “Stayin’ Alive” posiblemente sea la canción disco definitiva. El caso es que el grupo en sus comienzos era un trío de música pop-soul, hasta que a finales de los 70’s hicieron una canción, “Night Fever” que posibilitó su colaboración en la banda sonora de la película definitiva sobre el género: Saturday Night Fever. De dicha banda sonora se vendieron cuarenta millones de discos. También hicieron una película junto a Peter Frampton: Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, un esperpento se mire por donde se mire que fue un fracaso comercial. “Stayin’ Alive” también pertenece a esa serie de canciones número uno en los autos de choque.


Había más, muchos más. Gloria Gaynor, Barry White, Donna Summer… Bajos machacantes y violines, miles de violines. Recuerdo una sala de juegos que había cerca de mi barrio que contaba con una de aquellas máquinas de discos, las “jukebox”, que a cambio de una moneda elegías la canción. Había gente que nos martirizaba con disco-music, y recuerdo que yo contraatacaba, como el imperio galáctico, poniendo el “Don’t Look Back” de Boston a todas horas. Ja, ja, ja,… ¿Que ellos ponían Donna Summer? Pues yo Boston. ¿Que elegían el “Born To Be Alive”? Pues Boston otra vez. ¿Qué les daba por poner “Xanadú”? Pues “Don’t Look Back” de nuevo. Boston, Boston, Boston…….. Llegaron a cogerme manía. Que tiempos…..

Forty Deuce "Nothing To Lose"

Salvando las distancias, se podría afirmar que, en lo referente a la música, Ritchie Kotzen es un alma renacentista. Y es que el músico norteamericano ha tocado casi todas las disciplinas. Desde guitarra mercenario con Poison a creador de discos de Jazz-Rock como el Inner Galactic Fussion Experiencie o el Vertus con el Gran Stanley Clarke al bajo. Pasando por todos las variantes estilísticas del Rock el Soul y el A.O.R. de tonalidades comerciales. Amén de sonidos setenteros y herederos de unos Zeppelín o unos Purple, caso de Mother Head´s Family Reunion.
Con este disco que os presentamos Kotzen se acerca a ese sonido que, por ejemplo, tan bien han desarrollado los Demolition 23 de Michael Monroe. Hard Rock de alto octanaje, con buenas canciones y magníficamente interpretado. Si quieres disfrutarlo en toda su contundente extensión pincha. AQUÍ.

EndeverAfter "Kiss Or Kill"

Otra de las bandas que publico un muy buen disco de debut en el año 2007 fueron los EndeverAfter, Sacramento (California), que liderada por el cantante y guitarrista Michael Grant, grabaron un magnifico disco de sleazy rock en la onda de unos Poison o unos Motley Crue.
El disco titulado “Kiss or Kill” tuvo cierta repercusión en la costa este americana, el cual les posibilito hacer una gira conjunta con Poison y Cinderella, e incluso llegaron a abrir dos fechas de la gira de Kiss por Japón.
Pues bien, en una entrevista publicada en el blog “GlamRide”, y aunque, aun tendremos que esperar bastante tiempo, comentan que para finales del año tendrán publicado su segundo larga duración.
Mientras eso sucede, seguiremos repasando unos videos para que veáis como se las gastan estos californianos.

Joan Jett "Glorius Results Of A Misspent Youth"

Esta considerado como uno de los mejores discos de la llamada reina del rock and roll.
Y la verdad que con la extensa discográfica que tiene Joan Jett, afirmar tal cosa es aventurarse en los gustos de cada cual y seguro que algunos de sus fans, entre los que me encuentro, pondrían por delante cualquiera de sus primeros discos, como por ejemplo “I Love Rock n’ Roll”, “Álbum” o “Bad Reputatión”.
Pero lo que si esta claro es que es un gran álbum, habida cuenta que un disco que contiene temas como “Cherry Bomb” que ya había grabado con The Runaways, “New Orleans”, “I Need Someone” o “I Love You Love Me Love” del gran Gary Glitter, son grandes canciones del extenso repertorio de la de Filadelfia.
Editado originalmente en 1984 y remasterizado con cuatro bonus track en 1992, nos presenta a la formación más clásica y que más tiempo ha durado en la banda, como son, Joan Jett (vocals/guitars), Ricky Bird (guitar), Gary Ryan (bass) y Lee Crystal (drums).
Aquí os dejo unas canciones de este fantástico “Glorius Results Of A Misspent Youth” el cual, a pesar de haber pasado mas de 24 años, todavía mantiene la frescura y la inmediatez de un disco clásico de rock and roll, o por lo menos, eso es lo que a mi me parece.

Sean McConnell "Desde el corazón"

Cuando desde niño sólo has visto y oído a tus padres tíos y demás tocar música de manera continuada durante años, sólo te quedan dos opciones: o aborrecer de ella y estudiar oposiciones para procurador a cortes o zambullirte gustoso en este río tan inmenso como intenso.
Sean McConnell se decantó, por fortuna, por la segunda opción y desde su Nashville natal ha ido macerando este disco magnifico titulado “Saints, Thieves & Liars” donde evidencia que tanta escucha inevitable de música en su niñez ha calado hondo y ha dado resultados. Las doce canciones que componen el disco se mueven cómodamente por los caminos, hoy en día, muy transitados del Americana y el sonido más Roots de los Estados Unidos.
Se podría decir que es otro más de tantos como pululan en ese planeta musical que es Nashville y sí, en efecto, no ofrece nada que no hayas escuchado ya. McConnell ofrece, eso sí, honestidad e intensidad a partes iguales tanto en las canciones de medio tiempo como la hermosa “A Prayer You Can Borrow” o “Looking For A Good Time”, como en las guitarreras como “Caroline”, “Lie Baby Lie” o “Saints Heart In A”. La voz del autor traza con intensidad un sentimiento de entrega en cada tema que desarrolla dejándote esa sensación de distancia respecto de la manera que asumimos y entendemos el Rock And Roll y lo lejos que estamos todavía de desarrollar ese potencial que con toda comodidad fluye de las gargantas y las manos de músicos tan inmensos como este que nos ocupa y la mayoría de los que, modestamente, vamos dejando cumplida referencia en este blog.
Nada nuevo bajo el sol, es cierto. Pero que bonitas son las flores que crecen bajo su luz y calor.

Sean McConnell - Lie Baby Lie

Sean McConnell - A Prayer You Can Borrow

Kooymans & Carillo "On Location"

Frank Carrillo del que ya hemos hablado por aquí en alguna otra ocasión y George Kooymans (Golden Earring), acaban de lanzar conjuntamente un nuevo álbum editado el pasado 2 de abril de 2010. El nuevo disco, titulado "On Location", ha sido lanzado por el sello Universal en Los Países Bajos, Bélgica y Luxemburgo.
George y Frank han estado escribiendo juntos de forma intermitente desde mediados de los años 90 y, entre el trabajo de Frank con los Bandoleros y el trabajo de George con Golden Earring, les mantenía un tanto alejados, hasta que decidieron que ya era hora de que su primer trabajo, viera la luz del día.
El primer sencillo, "Blind Love", es la única canción en el álbum que no está escrita por George y Frank. "Blind Love" fue escrita por el baterista de Bandoleros, Eddie Sevilla.

Aparte de eso Frank Carillo y sus Bandoleros han estado grabando una serie de canciones acústicas en marzo que incluirán en su próximo disco. Las nuevas canciones se grabarán en unos Studios de plataforma móvil con sonido Millbrook, que la verdad no se que es, pero eso es lo que pone en su web. La grabación tendrá lugar en la Casa de Om, e incluirá algunos invitados sorpresa. . El nuevo CD de estudio de Bandoleros llevara por titulo, “Rails To Kingdom Come", y está programada su publicación para principios del verano. Mientras tanto nos iremos conformando con este pequeño aperitivo donde Kooymans & Carillo se confirman como dos grandes compositores y además siempre es un placer volver a escuchar la voz de Frank.

Kooymans & Carillo - On Location

Kooymans & Carillo - Temptation

Psicosis "50 aniversario"

Una vez leí una entrevista a Alfred Hitchcock en la cual exponía sus razones para que una buena película de suspense tenga impacto en el espectador. “Si en una película haces que coloquen una bomba en un tren, todo el público en la sala sabe que en ése tren hay una bomba. El problema es que los actores, en su interpretación, no lo saben. Pero el público sí. Ésto es lo que crea angustia y suspense en quienes acuden a una sala de cine, el saber que hay un peligro, pero que parece que nadie haga nada por evitarlo”. Genial. Tan simple como genial. Éste no es el caso de Psicosis. Bueno, quizás un poco sí.

Ésta teoría de Hitch es más evidente en películas como “La Soga”, “Frenesí”, o “La Ventana Indiscreta”. Ver esos films es un ejercicio de tensión, porque el público sabe exactamente lo que está ocurriendo en la historia. En Psicosis sin embargo, el director nos tiene engañados hasta practicamente el final. Esa es la diferencia. Este año se celebra su 50 aniversario. 50 años de suspense psicológico. Tranquilos, no vamos a contar la historia por respeto a quien aún no la haya visto (hay que poner remedio a eso, ¿eh?),

El rodaje:

Éste fue un proyecto de bajo presupuesto. Nadie en los estudios tenía confianza en semejante historia. Al director le dejaron trabajar sólo con una condición: El dinero iba a ser escaso, no iban a invertir mucho en la película. Eso a Hitch le dio igual, él iba a filmar esa historia como fuera. Los actores fueron elegidos porque estaban a sueldo del estudio. Anthony Perkins, por ejemplo, le debía una película a Universal, por lo que prácticamente salió gratis. Debido a la austeridad del proyecto, Hitchcock le dio un papel a su hija para ahorrar. Limitó la acción practicamente a seis decorados: El hotel donde Marion y Sam tienen sus furtivos encuentros, la oficina donde Marion trabaja, la casa de los Bates, el Bates Motel, la ferretería donde trabaja Sam, y la comisaría de policía. La ahora famosa casa costó solamente 15.000 $, e incluso se aprovecharon decorados de otras películas, como si de un telefilm se tratara.

El reparto:

En cuanto al reparto, debido a su protagonismo destacan dos papeles sobre los demás: Janet Leigh (Marion) en su papel definitivo y por el que será recordada, y el gran Anthony Perkins (Norman). Vera Miles (Lila), John Gavin (Sam), John McIntire (Sheriff Chambers), Martin Balsam (detective Arbogast), y por supuesto la madre de Norman, completan el reparto principal. La tradicional aparición de Hitch en cada uno de sus films, se produce al comienzo de la película, frente a la oficina de Marion, en mangas de camisa y con sombrero cowboy.

Hitchcock, un genio de la publicidad:

Al tratarse de un proyecto en el que arriesgaba su dinero, diseñó una genial campaña publicitaria que todavía hoy es la envidia entre los profesionales del gremio. Las bases de su estrategia eran dos: que ningún espectador entrase en la sala después de comenzada la película, y que nadie revelase su final. Y por increíble que parezca, la gente le hacía caso!!! Se tomaron fotografías con infrarrojos de las reacciones del público en el cine Plaza de Londres, y luego las metieron en el dossier de prensa. Además se hicieron tres trailers promocionales distintos. Anthony Perkins declaró en su momento que la escena siguiente a la de la ducha resultaba siempre inaudible debido a que al público todavía le duraba la excitación de lo ocurrido en la escena anterior.

Reacciones:

- Tercera película más taquillera de 1960. Aquel año, Hitch cobró 2,5 millones $ por su participación del 25%. Posteriormente, con el éxito mundial del film, se hizo millonario. La película recibió cuatro nominaciones al Oscar: Director, actriz secundaria, decoración, y fotografía en blanco y negro. No ganó ninguno. Se desataron varias campañas en su contra por lo que entonces se consideraba “violencia extrema”, y Hitch fue puesto en el disparadero en más de una ocasión.
- La escena de la ducha fue destacada como nº 4 en la lista de Bravo de la Red 100 Scariest, Momentos de película.
- El final de la película se clasificó el nº 4 de Premiere en la lista de "Los 25 momentos más chocantes en la historia del cine."
- Clasificada como nº 11 en el Entertainment Weekly, el libro titulado “Las 100 mejores películas de todos los tiempos”.Escenas:

Hay cuatro escenas en la película que destacan sobre el resto, convirtiéndose en iconos del cine. Son por orden de aparición: 1º) La escena de la ducha, 68 planos y 45 segundos. Imitada hasta la saciedad y materia obligatoria en las Escuelas de Cine (no es broma). 2º) La secuencia de las escaleras con el detective Arbogast como protagonista, fue la más difícil de rodar. 3º) La escena del sótano con la madre de Norman en la mecedora. 4º) El plano final, con Norman tapado con una manta, una mirada amenazadora que indica lo imprevisible de la personalidad del personaje. Según los estudiosos del cine, es “la expresión humana más terrible de la historia del cine”. Es sólo Norman y su manta, nada de muecas ni gestos, y es por lo que logra crear una creciente inquietud en el espectador. Hay además una escena, cuando Marion está conduciendo y se encuentra de repente en el paso de peatones con su jefe, que Quentin Tarantino utilizó en Pulp Fiction. Y digo “utilizó”, en vez de “plagió”, porque en numerosas ocasiones Quentin ha reconocido que fue un homenaje, no un robo.

La música:

A cargo de Bernard Herrmann. En Psicosis sólo utilizó instrumentos de cuerda, consiguiendo efectos tan sorprendentes que sus colegas le consultaron sobre los instrumentos que había utilizado. En la escena de la ducha, la música convirtió en interminable una situación que sólo duraba 45 segundos. Y lo mismo se podría decir del resto de la película.

El humor:

De todos es conocido el agudo sentido del humor de Hitch. En Psicosis también lo sufrieron quienes le rodeaban. En los trailers promocionales se encarecía al público que “no revelasen el final” argumentando que “es el único que tenemos”. Asimismo colocó una silla durante el rodaje con el nombre de “Señora Bates”. Una vez recibió una carta de un espectador: “Después de ver Las Diabólicas mi hija no quiso tomar un baño. Después de ver Psicosis, no ha querido ducharse nunca más. ¿Que debo hacer?”. “Llévela a la tintorería” le contestó Hitch. También conocida es la “gamberrada” que el bueno de Hitch le gastó a una de sus actrices,Tippi Hedren, al enviarle por su cumpleaños a su hija Melanie Griffith, por entonces una niña, un ataúd con un muñeco de su madre en el interior. Genio y figura. Por cierto, a la niña parece ser que le encantó el regalo.

Conclusión:

Fue la película que cambió el concepto de cine de suspense, o de terror psicológico, o de terror a secas. Fue el verdadero caldo de cultivo para films como “Seven”, “La Matanza de Texas”, “El Sexto Sentido”, “El Silencio de los Corderos”….. En fin, si ya la habéis visto, no está mal darle otro visionado de vez en cuando. Y si no la habéis visto os estáis perdiendo un trozo de la historia del cine. También recomendable el libro en que se basó el guión, una historia basada en hechos reales sobre uno de los primeros “serial killers” de la historia: Ed Gein.


Secuelas y Remakes:
La película engendró tres secuelas:
Psicosis II El regreso de Norman (83): Muy buena, narra el regreso de Norman al motel tras veintitantos años internado en un psiquiátrico, y aparentemente rehabilitado. Recomendable.
Psicosis III (86): Norman sigue al frente del motel, pero se ve obligado a colgar un cartel buscando ayuda. En ese momento aparecen por allí un jóven arrogante aspirante a estrella de la música, y una monja con crisis de fé. Correcta, tirando a malilla, pero se deja ver.
Psicosis IV El comienzo (TV 90): Telefilm que narra las visicitudes de los integrantes de un programa de radio, un Talk Show, al que llama un desconocido que comienza a describir pasajes de su niñez. Horrorizados se preguntan: ¿es posible que se trate del famoso Norman Bates que ha sido recientemente dado de alta en un sanatorio? Entra de lleno en la moda de las “precuelas”, como la anterior se deja ver, pero no es gran cosa.
Hitchcock no participó en ninguna de las secuelas ya que había fallecido antes de que se realizaran.
Remakes:

Psicosis (1998). Versión en color hecha remake, muy similar a la original, por lo cual se consideró innecesaria (a mí me parece totalmente innecesaria). Le valió dos Premios Razzie, uno por peor director (Gus Van Sant) y otro por peor secuela o remake. Anne Heche interpretó el papel de Marion Crane, y se quedó a las puertas del premio Razzie a la peor actriz del año, y del premio Saturno a los que había sido nominada.

Johnny Diesel & The Injectors "J. Diesel & The Injectors"

Hacia el año 1989, mas o menos en plena ebullición del Sleazy Rock que nos llegaba desde la costa Angelina y que tantos buenos momentos buenos nos proporciono, al otro lado del globo, en Australia mas concretamente, el joven Marcos Denis Lizotte lanzaba al mercado su disco de debut bajo el nombre de Johnny Diesel & The Injectors.
Rock and Roll sin más pretensiones que divertir y divertirse, con sabor a Springsteen, Mellencamp y al mejor Bryan Adams. Una pena que la carrera en solitario de Johnny no siguiera por los mismos derroteros que este fantástico álbum. AQUI.

Steve Conte & The Crazy Truth

El polifacético guitarrista y compositor Steve Conte, miembro de los New York Dolls y también de la nueva banda de Michael Monroe, es un incansable obrero del rock and roll, ha trabajado con figuras de la talla de Chuck Berry, Suzy Quatro, Willy DeVille, Peter Wolf, Billy Squier o Maceo Parker. También ha compuesto y grabado innumerables sintonías y canciones para bandas sonoras de films y series de anime con la reconocida compositora japonesa Yoko Kanno y el escritor Tim Jensen.
Pues no contento con ello, el año pasado lanzó un disco homónimo titulado Steve Conte & The Crazy Truth de claras influencias Faces, Dolls y Stones, como no podía ser de otra forma claro, lo contrario hubiera sido una sorpresa.
Once canciones componen este disco donde nos cuenta historias de perdedores, de drogas, juego, sexo y vicios varios, todo ello desde el punto de vista de un tipo que se las sabe todas.
Rock and Roll actitud, para un disco que puede que no cambie la historia del rock and roll, pero como me gustan estos tipos que practican este maravilloso “rockandroll gypsy”.

Steve Conte & The Crazy Truht - Thi Is The End


Steve Conte & The Crazy Truht - Strumped Hearted Monkey Girl

Lapido "En otro tiempo, en otro lugar"

José Ignacio lapido afrontó el año 2005 y la grabación de su penúltima obra: “En Otro Tiempo En otro Lugar” con un cambio de modus operandi. Tras visitar distintas discográficas con resultados negativos (que raro), decidió grabarlo con su propia discográfica; Pentatonia records o, en palabras del propio Lapido: -“El mundo musical yendo a la deriva y yo agarrándome a un madero que flotaba en el desastre, Pentatonia Records” o, de alguna manera, un hágaselo usted mismo. Definida por el propio músico como una república independiente de un solo habitante exiliado del show business musical. Su logotipo, un perro aullando a la luna, “se quedó como tal porque quedaba mejor que un cadalso y una soga que hubiera sido más acertado” - Lapido dixit.
Este disco tiene en sus letras diferentes referencias al mundo de la farándula y lo circense, no en vano, el álbum iba a titularse en un primer momento “Más difícil todavía”. Y supone un disco cumbre en la ya larga trayectoria del autor. Las canciones poseen el sello propio del granadino; intensidad, corazón en cada nota en cada arreglo, textos muy trabajados muy suyos con un pie en lo onírico y otro asentado obstinadamente a la realidad y lo que de cruel y divino hay en las personas.
La estructura compositiva del álbum empieza a cambiar en este disco y se culminará en su siguiente obra: “Cartografía”.Yo creo que es aquí donde el músico comienza a componer con el piano y eso se nota en los modos y en la propia esencia de la canción. Oyes “No digas que no te avisé” (una de las mejores canciones de lapido de toda su carrera, a mi modo de ver) o “Agridulce” (se podría decir lo mismo de ésta), “Con la lluvia del atardecer” o “Rincones secretos” y constatas que el ex-091 puede reinventarse a cada disco, con cada canción, a cada frase. Sus letras caminan por mundos ajenos al nuestro de todos los días, pero no aparten, ni por un momento, esa mirada ácida, crítica e irónica que tan bien se le da al músico. Refencias a películas clásicas, a poetas, a otros músicos todo pasado por el tamiz único del de Granada y se empieza a observar una mirada a su propia infancia, “Cuando la noche golpea el corazón” que en su siguiente disco continuará explorando. El amor, o más bien su ausencia y las consecuencias del desamor, se plasman en “Bellas mentiras” o en “Por sus heridas” perdedores sin gloria sin épica con un día a día agotador y humillante. Pero el autor no lloriquea, su sentido del humor está cargado de vitriólica ironía es, como diría el gran Javier Krahe: un je, pero un je muy flojin, de media comisura. Y se constata en sus canciones “La antesala del dolor” y en la que da título al disco “En otro tiempo en otro lugar”.
Lapido crea uno de los mejores discos de su carrera. Y espero que esta frase se quede pronto obsoleta cuando tenga la dicha de anunciaros nuevo álbum del de Graná.
Por lo pronto, seguiré haciendo esta retrospectiva del músico, disco a disco y al estilo Memento. Próximo álbum: “Música Celestial” del año 2002.

Lapido - No Digas Que No Te Avisé

Lapido - Por Sus Heridas

Lapido - Bellas Mentiras

Jonatahan Tyler & The Northern Ligths "Sudando el corazón"

Al fin Jonathan Tyler & The Northern lights han publicado su segundo álbum: “Pardon Me” Y, puedo asegurar, que la espera ha merecido la pena. El de Dallas, (Texas) ha realizado un magnifico compendio de poderoso Rock And roll de claras influencias setenteras de la que sobresale claramente Led Zeppelín, los cuales, inevitablemente, se ven fusilados en cada interprete que se precie de rendir tributo a la mágica década del Hard Rock.
Esto no significa que Tyler no posea personalidad propia ya que, como bien demostró en su primer disco, talento y actitud no le falta. Lo único que me chirría es ese sonido tan “Lenny Kravitz” de la primera canción del cd, que se repite en alguna ocasión más. Aunque esto no es, lógicamente, culpa de Tyler sino un cierto prejuicio del que suscribe, que ha terminado ahíto de tanto “raka, raka,patatúm ” del, en otro tiempo, prometedor artista. Tal vez sea esta animadversión al neoyorquino la que me empuja a valorar las canciones más, eminentemente “Tylerianas” del disco, esos medios tiempos tan fabulosos que el cantante consigue crear tan llenos de intensidad y fuerza; caso de “Young Love”, “She Wears A Smile” o “Where The Winds Blows” que, para mi, son de lo mejor del álbum. Lo cual no implica que canciones tan arrebatadoras y potentes como “Young And Free”, “Gipsy Woman” y “Bright Energy” bajen el listón, ni mucho menos. Es sólo que, si eliminas la distorsión y la energía cruda, lo que queda, es una canción desnuda y es ahí donde un gran creador como Jonathan Tyler, se descubre como tal. Para este que suscribe, “Pardon Me” es uno de los mejores discos que, sin duda, se publicaran este año y reto a todo aquel que sienta pasión `por la música intensa y hecha con el corazón y las tripas, a que se de una vuelta por este barrio sonoro que es el último disco de Jonathan Tyler And The Northern Lights. Seguro que no querrás salir de allí.

Jonathan Tyler & The Northern Lights - Young Love

Jonathan Tyler & The Northern Lights - Bright Energy

Lions In The Street "Leones en las calles de Vancouver"

Leones en las calles de Vancouver.
Ese podía ser el titular de cualquier periódico sensacionalista que se precie, pero que nadie se alarme, Lions In The Street son una nueva banda de rock and roll de Canadá compuesta por cuatro miembros, Chris (Guitar and Vocal), Sean (Guitar), Enzo (Bass), y Jeff (Drums & Organ), los cuales enamorados de los sonidos “setenteros” de los Rolling Stones o de los primeros Black Crowes del “Shake Your Money Maker”, nos han regalado un pedazo disco que alegrara la vida a los amantes del rock clásico. En los cuales me incluyo, claro esta.
He llegado a leer por ahí, que suenan a Stones más que los propios Stones. Y estoy seguro que enseguida saldrán las voces discordantes diciéndonos aquello de: “Si son buenos, pero son una copia y para eso me quedo con los originales”
Bueno, vale, si, suenan a Rolling Stones, y que, ¿eso es malo?. O es que acaso los primeros Stones no se inspiraron en Chuck Berry y en los grandes “Bluesmans”, hasta que por fin encontraron su propio sonido.
Pues eso, que al final convertiríamos esto en un debate estéril, que no nos conduciría a nada. Es rock and roll y eso es lo que importa.
Relájate y disfruta de este su disco homónimo del cual no pienso destacar ninguna canción, el disco entero es muy bueno y los Lions In The Street una gran y agradable sorpresa de este año 2010, a los cuales no habrá que perderles la pista.
Y si, es solo rock and roll, pero me gusta,…. I know it's only rock 'n roll but I like it, like it, yes, I do.

Rainbow "Difficult To Cure"

Bueno, comenzaremos el relato donde dejamos el anterior. Tras “Long Live Rock And Roll” hubo desbandada general, Ritchie Blackmore decidió cambiar el sonido de la banda y orientarlo más hacia el Hard Rock melódico, por lo que contrata a Graham Bonnet como cantante, su ex-compañero de Purple Roger Glover se subió al barco como bajista y productor, recuperaron a Cozy Powell tras los parches, y grabaron “Down To Earth” un buen trabajo que les puso de nuevo en marcha, siendo el momento cumbre de ésta formación su participación como cabezas de cartel en la primera edición del festival Heavy por antonomasia, el Monsters Of Rock de Donnington.

Pero las cosas no funcionaban. El comportamiento de Bonnet en directo era bastante “errático” por decirlo finamente. Pasaba de Rainbow, pasaba de Blackmore, y pasaba de su público. Tras un desastroso concierto en el que los asistentes contemplaron atónitos la pelea entre Bonnet y Blackmore se llegó a un acuerdo: Cantaría en Donnington y después dejaría el grupo. Sólo añadir una cosa más sobre éste hombre: Tiene mérito que con ese carácter haya tocado y grabado con gente como Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Ritchie Blackmore, y Michael Schenker. Mucho mérito.
Total, que Ritchie se ve de nuevo obligado casi a empezar de cero. Tras algunas audiciones se contrata como cantante a un jóven desconocido de angelical y melodiosa voz llamado Joe Lynn Turner, el cual cantaba en una banda llamada Fandango (curiosamente el guitarrista de Fandango se llamaba…. ¡¡Richard Blakemore!!), y con quien grabarán uno de los mejores discos de la década: “Difficult To Cure”. Por entonces Ritchie era el mejor, y por si no nos habíamos dado cuenta, en éste disco lo demostró. El sonido es perfecto, nada que ver con “Down To Earth”, demasiado agudo para mi gusto. La guitarra suena de miedo, las canciones son perfectas, y en general hay menos relleno que en anteriores discos.

Con todo, los mejores momentos del disco están en la canción que lo abre y la que lo cierra. “Spotlight Kid” velocísima, con un solo antológico, y “Difficult To Cure”, la personal visión de Blackmore de la novena sinfonía de Beethoven, instrumental y grandiosa. A destacar también las melodías y el buen gusto de “I Surrender”, versión de un tema de Russ Ballard, y “Can’t Happen Here”, dos auténticos exitos que lanzaron a la banda a la cima de las listas, y en las que Joe Lynn Turner lo borda.
Del resto cabe destacar “Magic” y “No Release” dos canciones consideradas como secundarias, pero que a mí en particular siempre me han gustado, en concreto la melodía de “Magic” no hubiera pasado tan desapercibida si no hubiera estado entre el resto de grandes canciones, porque es buenísima. “Maybe Nex Time”, una balada instrumental para lucimiento de Mr. Blackmore, y “Midtown Tunnel Vision”, la más oscura del disco son correctas, se dejan escuchar. “Freedom Fighter” sin embargo lleva la palabra “relleno” escrita en el título.

Quienes pensaron que tras la salida de Ronnie James Dio el grupo estaba acabado, se equivocaron. La verdad es que Graham Bonnet y luego Joe Lyn Turner hicieron un gran trabajo, en especial éste último, que grabó otros dos LP’s que dejaron el listón altísimo. Y es que, ¿Quien no conoce “I Surrender”? ¿Quien no la ha tarareado alguna vez? Un clásico.

Electric Angels "Electric Angels"

Hacia el glorioso año de 1990 la escena del Rock And Roll aún mantenía una aceptable salud dentro del Mainstream comercial de la industria. Por ello no era raro escuchar bandas de Rock, y más concretamente del llamado Sleazy- Rock, en la radio y visionar sus video- clips en la TV. Triunfando conjuntos como Guns & Roses o Poison no era tan extraño (Aunque hoy día se antoje un ejercicio de poderosa imaginación).
Tomando como base esa estética y ese estilo, las compañías discográficas en su infinita voracidad, se lanzaron a buscar remedos de las bandas que más dividendos dieran y hete aquí que hallaron una flor de un solo día, o, en este caso, de un solo disco.
Nombres conocidos del Rock de Los Ángeles como Shane (vocals), Jonathan Daniel (Bass), John Schubert (Drums) y el guitarrista Ryan Roxie, conocido por prestar su virtuoso talento a las seis cuerdas a gente como Alice Cooper o Slash. Tenían una banda llamada Electric Angels la cual grabó un disco homónimo repleto de Buenísimo Rock And Roll de influencias setenteras. En aquel vinilo, que aún hoy día me sobrevive, podías encontrar influencias de New York Dolls, de los T- Rex de Marc Bolan, de los mejores Aerosmith (No de esa gente llena de botox y operaciones estéticas de hoy en día), de Thin Lizzy o The Babys etc.
El disco cumplía un cometido hacerte pasar un rato con las orejas alerta escuchando grandes canciones y muy buenas letras: “All The Money”, “Whiplash”, “The Drinkin´ Song”, “Rattlesnake kisses” y, en definitiva, casi todas las canciones del disco, que apenas bajaba el nivel compositivo.
Desgraciadamente tras el escaso éxito obtenido por este primer disco, la banda intentó parir un segundo que, tristemente, quedó olvidado en el cajón de los “pudo ser”. Y, la verdad, es que escuchando ese intento de canciones del hipotético segundo disco de los Electric Angels, uno escoge quedarse con un único canto de cisne, que con cacareo de gallina que busca la pasta. Una pena. Electric Angels era una banda que hubiese merecido mejor suerte de la que tuvo pero, en fin, no fue la primera y, desgraciadamente, no será la última. No obstante si quieres saber como sonaba y sabía un beso de los Ángeles hoy en día, pincha AQUÍ y disfruta del Rock And Roll de alto octanaje.