JKutchma & The Five Fifths : Respirar hondo…y sonreid

No te das cuenta pero va creciendo dentro de ti.

Es una rabia contenida. Un estado del alma que va creciendo y creciendo hasta desbordarse.  Para mí, es una melancolía de las cosas que no son como deberían de ser. Una melancolía que no hace que decaiga el ánimo sino, por el contrario, lo enerva y desmenuza los sentidos volviendo el raciocinio absurdo y el instinto, primordial.

El invierno se acerca y, si es el de nuestro descontento, es porque así lo queremos nosotros; seres domesticados amenazados por la amenaza del miedo a tener miedo.

Cuando las luces mortecinas de la tarde declinan y el horizonte se funde con un cielo negro de nubes de tormenta, aflora un pánico diminuto. Un virus letal para el alma que desdibuja a ésta y la vuelve dócil, maleable, prescindible.

Seis millones de parados, desahucios, recesión, crisis…sombras de esa cadena que nos oprime el cuello..nada..menos que nada.

Hablo y hablo. Me encabrono y tenso y sólo la música me redime. Sólo la música me abre caminos, embarrados si, plagados de charcos y cuestas y futuras caídas y suciedad…pero vida, al fin y al cabo. Vida que respira y se alimenta de más vida; como la música se alimenta de más música. Fuerza e ímpetu rabia y sentimiento…en pocas palabras.. JKutchma y sus  Five Fifths.

Jason Kutchma, a la sazón, y hasta que no se diga lo contrario, músico de la banda norteamericana Red Collar pero que con Patrick O'Neil al Piano y las  Voces, Evan Rowe a la batería, Rusty Sutton al bajo, Elysse Thebner  a la  Guitarra y las  Voces, Nathan Golub al Pedal Steel y el propio Jason Kutchma a las Voces la Guitarra y, ocasionalmente una venenosa harmónica, crean un engendro musical de gran calibre y canciones cargadas de una fuerza y una intensidad que, mi pobre alma, me estaba reclamando desde hacía días.

“Pastoral” es el bucólico título con el que Kutchma debuta en un larga duración tras un EP en vivo: Live From 506, y otro EP en vivo en una habitación de hotel, la 205, en los conocidos Holiday inn en este caso en la ciudad de Gainesville, con grabaciones también en solitario.

Las nueve canciones que componen su primer disco son una alquimia poderosa de Rock N Roll, Gospel Punk, Americana, Folk y Punk. Un trasvase emocional y compositivo entre Springsteen, Strummer, Guthrie y Little Richard.

“End Of The World” está preñado de una melancolía áspera, dolorosa, emocionalmente intensa, de esas que te tensa el corazón y encoge el ánimo para convertirlo, poco a poco, en una bomba de tiempo. Bomba que estalla en ese puñetazo que es “Teenage DMZ”, (DMZ es el término que se utiliza para designar  una zona desmilitarizada).

La belleza también tiene cabida en la maravillosa “Every Good Boy Does Fine” con un piano que semeja a la lluvia fina de otoño vista a través de un cristal y hora por delante para perder. Así como “I Will Not Be Broken Nor I Will Denied” te empuja con orgullo a levantar la cabeza, a impulsarte sobre tus pies y avanzar contra el viento que rasga la cara, la lluvia que encoje los huesos o la pared a la que tarde o temprano, todos nos acercamos...Pero, esta vez, para demolerla…Porque, alguna vez tendrá que ser.

Las canciones caen en el alma como hojas en otoño…”Used To Believe”, “Don´t It Figure Better”, “I´ll Survive” pedazos de vida, emociones que arrancan desde lo más profundo de ese lugar que algunas personas tenéis y que dan al mundo un respiro, una caricia, un abrazo tan necesitado, tan sencillo de hacer, tan difícil, a veces, de tener.

Jason Kutchma y sus Five Fifths nos abrazan con cada canción, nos empujan a buscar a alguien a quien coger de la mano a respirar hondo y, a pesar de todo…A sonreír.


JKutchma & The Five Fifths : Teenage DMZ

Vic Della Pello Band : El problema de no apellidarse Hiatt. Segunda parte

El saberse ignorante en muchas cosas debería de dotarnos de un grado necesario de búsqueda constante. Ese saber que hay mucho que desconoces tendría, creo yo, que ser gasolina en el motor de la vida. El ímpetu requerido para avanzar en la vida, en general, y en este mundo de la música en particular.

Que pasen los años, cientos de discos y miles y miles de canciones y que, oh, gloria, aún tengamos la capacidad de sorpresa, el asombro necesario que hace que te pares un segundo a degustar esa puta canción que te ha envenenado el alma. ¡¡Es la ostia!!

Vic Della Pello es otro de esos ilustres desconocidos que se mueven por los subterráneos del mundo de la música y están dotados  con una capacidad asombrosa de componer buenas canciones, plenas de melodía, grandes textos y rasmia necesaria para que tu corazón se pare un poco a escuchar un pedacito de maravilla.

Nacido en una zona rural llamada: Hunterdon County, el joven Della Pello creció escuchando a los grandes. Desde su obsesión por los Zeppelin, a la British Invasion en general, desde  Pink Floyd, a  The Clash, de  Elvis Costello a los  Pretenders, el joven Vic tuvo claro su camino y se licenció en la prestigiosa Berklee School of Music de Boston, donde su camino quedó absolutamente trazado.

A partir de ahí, discos como el primerizo “Head in Your Heart,’’  “Roomful of Songs’’ (producido  por Scott Matthews, que trabajó con gente como John Hiatt o Bonnie Raitt) “Graffiti Me” (producido by Vic and Larry Dvoskin) que el álbum que nos ocupa y que ha sido remasterizado en este 2012 con asombrosos resultados, más un disco de 1998  “Feelin’ More than Fine’’ un disco de covers y temas descartados, “the Lost Toys e.p.’’ y una obra llamada “Broken Heart Tattoo’’ que es su último disco oficial hasta la fecha.

Lo que Della Pello hace no es más original ni tiene nada que no tengan obras de Tom Petty, John Hiatt o Ryan Adams. Sin embargo, los mass media y nosotros, amantes, de verdad, de la música, ignoramos a un tío como Vic Della Pello que es capaz de componer canciones como “Call Me Up”, “With These Hands” de “Broken heart Tattoo” o “Swimming”, “Pull the Trigger”, “Lysa says”, una maravillosa versión de “Ghost in My Heart” en directo o esa gloriasa cover de los Grand Funk Railroad, no, no es de los Jayhawks, como algún listo asegura, llamada “Bad Time” que están extraídas de este magnífico “Graffiti Me”

Vic Della Pello es un gran guitarrista y un compositor y cantante excepcional. Su pasión por lo que hace, trasciende el vinilo, el cd o el mp3 y te agarra el alma por las pelotas para empujarte a sentir, eso que llamamos música con un deleite que hace que nuestro corazón cante y siga el ritmo con ese tarareo del sentimiento que nos hace caminar con el alma ligera y los ojos cerrados para así, poder soñar despiertos,. Que es el único modo que deberíamos de tener para soñar maravillas.

Otro ilustre desconocido al que deberíamos hacer un hueco en nuestro corazón..merecerá la pena os lo aseguro.

Discos Olvidados: Kiss “Unmasked”

Tópico:  “idea estereotipada y poco significativa, expresión repetida tantas veces que se ha convertido en vulgar o trivial”.  Todos sabemos que la machacona repetición de alguna idea o concepto termina por norma convirtiéndose en “realidad”, o así se le da a entender a quien posteriormente descubre esa idea.  Se le ha hablado tanto de ello que termina por convencerse de que lo que se dice es la verdad, y nada más que la verdad.  Ejemplo de tópico:  “Dynasty es el álbum discotequero de Kiss”.  Esa cantinela se ha repetido tantísimas veces que cualquier persona que lo oiga en la radio, o lo lea en el medio que sea, dará fe de ello, aunque no haya escuchado el disco en su vida.  Sí, saben que hay una canción titulada “I Was Made For Lovin’ You” que es música de baile, y ale hop!! clasifican así el disco entero sin haberlo escuchado siquiera.  Mas grave si cabe es que sean profesionales del ramo de la información quienes den vidilla al bulo.  Porque vamos a ver:  de 223 canciones editadas por Kiss (me he permitido la licencia de contarlas), sin contar los cuatro discos en solitario ni los directos y recopilatorios, Kiss tiene la friolera de….. 1 canción discotequera!!!!  Y los periodistas musicales siguen con la misma cantinela aún a día de hoy:  “Dynasty” es el álbum discotequero de Kiss, y bla, bla, bla, bla…....  Leo con estupor que algunos califican canciones como “Sure Know Something” o “Dirty Livin’”como música disco. Pues no señores, no es cierto.  Me niego.  NO!!!

Otro tópico:  “Unmasked es el disco pop de Kiss”.  No acierto a comprender si es que no han escuchado el disco, si su concepto de pop es diferente al mío, si mi concepto de pop es diferente al suyo, o si directamente hacen caso de los tópicos.  Porque pop, lo que se entiende por pop, no asoma por aquí salvo en un par de ocasiones, si se me permite la licencia.  Cierto, “Shandi” puede ser considerada una balada pop, y “Easy As It Seems” tiene un regustillo poppy, sobretodo esa solución no muy habitual en un disco de Kiss:  un solo de teclados.  Pero guitarrazos, haberlos haylos, como las brujas en Galicia.  Dos canciones y para de contar.  En eso se basan, creo yo, para decir que “Unmasked” es el “disco pop” de Kiss.  En dos canciones.  Pero la realidad es que este disco es puro Rock & Roll.  Rock festivo, saltarín, marchoso, bailable y cantable.

¿Ejemplos?:  “Is That You?” y “Tomorrow”, dos zambombazos rockanroleros con estribillos antológicos que no te podrás quitar de la cabeza.  O la trilogía de Ace Frehley:  “Talk To Me”, “Torpedo Girl”, y “Two Sides Of The Coin”, en especial esta última, pelotazos hardrockeros/rockanroleros en la forma que el bueno de Ace entiende el Hard Rock, y que tranquilamente podrían haber entrado en su disco en solitario.  Las más “oscuras” (sin llegar a ser oscuras) “She’s So European” y “Naked City” cantadas, como no, por Gene Simmons, y que por sí solas desmontan lo del “disco pop de Kiss”.  Y las menos conocidas "What Makes The World Go Round" y "You're All That I Want" que demuestra que en aquella época, incluso en los temas de relleno Kiss rockeaban sin compasión.

El disco fue un fracaso comercial, según he leído por ahí tan solo vendió 500.000 copias en EEUU, frente a los 3 millones de su predecesor.  Aunque yo no termine de creérmelo.  ¿Como es posible que en pleno megaestrellato, y con la población con la que cuenta EEUU, les dé por comprar el disco tan solo a 500.000 fans?  Simplemente con la inercia de las ventas de Dynasty ya deberían haber vendido una cantidad mayor.  En fin, cosas de la industria.  Lo que sí es cierto es que “Unmasked” pasó sin pena ni gloria, Kiss empezó la cuesta abajo (recordad que después vino esa especie de engendro llamado “The Elder”) hasta la publicación de “Creatures Of The Night”, en la que se dió cierto repunte en la popularidad del grupo.  Un disco este, olvidado pero muy disfrutable.  Ah, y no se si lo he comentado, pero NO ES UN DISCO POP!!!  He dicho.

Allen Thompson Band: Días con aroma a chicas de canela

Se dice que, si te paras a escuchar a Allen Thomson y su banda..los fantasmas de Jerry García y sus muertos agradecidos, The Band y un Dylan en estado de gloria, el eco de aquel Neil Young caminando sólo o junto a  Crosby Stills y Nash, te acompañará a cada segundo que suene, sea la canción que sea, de su último y soberbio disco “Salvation In The Ground”.

Oigas el tema que oigas, te invade una sensación agradable y ensoñadora de canciones hechas sin prisas, sin ánimo de epatar en los charts o dejar boquiabierto a los de la MTV.

Simple y llanamente música realizada por corazones que se emocionan con esos sonidos que parecen acercarte a equilibrios cósmicos, a juegos vocales que facilitan la llave para ese reino de los soñadores despiertos. Un lugar donde las cosas son, al margen de lo malo u horrible que explote a dos metros de tu casa, o lluevan las piedras que lluevan en tu vida.

Me dijo una persona maravillosa hace poco respecto del parón, no pretendido, que tuvimos la semana pasada, que debería haber retomado esto de acercarnos a vosotros con un post más optimista y brillante. Una suerte de avalancha de canciones resplandecientes y luminosas que le hicieran coro a estos días de primavera clandestina que estamos viviendo en esta ciudad. Y si, la verdad que tenía razón. Las cosas suenan mucho mejor con el sol tarareándote canciones de este discazo.

Los pianos y ese arrastrar vacilón de canciones como “The Purple Rose And The Black Balloon” , ese acordeón embriagador de “Love One Another”, la dulzura contenida tan Eagles de “Last Goodbye” o ese sonido taaan…ñaaaammm, (no sé describirlo de otra manera) de “Payback” donde el Soul, el Americana, los sonidos tipo Carpenters se abrazan a los coros que los músicos de los setenta plasmaban con destreza y talento arrollador, hace que esta entidad bicelular y unicerebral se emocione como un chaval esperando su primera puesta de sol o la primera vez que uno ve el mar.

Este sexteto liderado por ese tipo que parece que pasaba por allí llamado Allen Thompson ha pergeñado uno de los discos del 2012 sin duda alguna. Y eso que sus discos anteriores son un fabuloso compendio de grandes canciones. Pero es que este Salvación en la tierra posee ese sonido que se vuelve banda sonora de tu existencia por el sólo hecho de que te es necesario, a todos nosotros algo bello, algo dulce, algo preñado de esperanza y luminosidad que destierre los malos momentos y tiña de esa fuerza poderosa que es, la fe (atea) en uno mismo, en una misma.

Un aprender a andar de nuevo paso a paso, nota a nota. Lo mismo da que sea con temas indolentes como “When I´m Young” o maravillas tan Jackson Browne como “First Apology”…La cuestión es seguir moviéndose, caminar hacia el ocaso con una sonrisa esplendorosa pintada en el rostro y la seguridad de que la vida puede llegar a ser como el sueño de un niño pequeño y tener el aroma de la canela.


Allen Thompson Band - First Apology

Allen Thompson Band - Payback

Kasey Anderson and The Honkies : La pálida y hermosa luz de la esperanza

Si eres observador, en tu deambular por la ciudad, podrás, fácilmente, leer la vida de las personas en su manera de caminar, en cómo se encojen o yerguen. En el modo en que sus pasos marcan el ritmo secreto de sus vidas. El peso del mundo que algunas personas se echan encima. La miseria inmoral que otras vierten sobre los hombros y que acaba solidificando en una pena, una condena, un dolor. Si lees, entre las líneas, muchas veces quebradas de la vida de la gente. Escucharás historias, sentirás el ritmo preciso de su mundo en cada golpe de pie en el suelo, igual que un trueno o un djembe.

En el caminar de Kasey Anderson existe una promesa. Una luz incipiente, un algo que va desenvolviéndose como una flor que necesita mucha agua y mucha luz. Oyes sus discos anteriores, tanto en solitario como con su banda The Honkies y ahí está. Ese destello, esa fugaz corriente de aire que te revuelve el alma y te hace pararte, un instante y escuchar.

Sus discos, no obstante, no son un compendio del estilo de discos diez. Tienen, siempre, grandes canciones, pero, no obstante, adolecen de otros temas que te obligan, casi, a dar un traspié.

En el caso de este, más que  reciente, “Let the Bloody Moon Rise”  interpretado por Kasey Anderson a la voz y la guitarra, Andrew McKeag a las guitarras, Eric Corson al bajo, Mike Musburger  a la batería y Ty Bailie a las teclas. La banda se lanza a interpretar un disco que posee obras soberbias como “Down Lucine” , “Older Guys”, “Don´t Look Back”, la maravillosa “Like Teenage gravity”o “Just Kids” frente a ladrillos del tamaño de Júpiter como “Abbadon Blues” o “Ain´t Life Grand?”.No obstante estos dos deslices no hacen que maravillas como ese Rock N Roll cincuentero y garitero que es el bonus track que hace el tema  número doce de la edición especial del disco titulado “Two More Bottles Of Wine” o la bellísima y lírica “Heavy Heart” pasen desapercibidas y haga que tu caminar se detenga un instante y mires a esas nubes hermosas de este otoño de una manera distinta. Con una sonrisa, aunque sea pequeñita, pintada en el alma.

Decía una persona algo sabia, más que yo, desde luego, lo cual, tampoco es mucho mérito, que existen personas que con dos veces que vean una técnica, escuchen una canción, u oigan un instrumento, ya tienen pillado el alma de aquello en lo que han focalizado su interés. Hay otros tipos que necesitan mil repeticiones para pillarle el punto. Pero...ahí está. Esa magia, esa fuerza, esa poesía de lo cotidiano. Ese deslizarse por entre las rendijas de esta vida acerada y gris que nos empuja a una cierta desesperación. Enfrentamos el mundo como buenamente podemos. Plantamos cara a un viento lleno de escarcha y barro con la cabeza alta y salimos, más o menos indemnes. La luz mortecina del invierno que se aproxima no entristece, se convierte, ya, en la promesa de una primavera esplendorosa que está llegando ya.

La Nueva Música Clásica

El otro día leí este artículo firmado por Jorge Nagore en el Diario De Noticias de Navarra.  No he podido resistir la tentación de compartirlo con vosotros, así que aquí lo tenéis.  Leedlo con atención y ya me contaréis.

Clásica
por Jorge Nagore

Smoke On The Water es música clásica. Tiene ya 40 años. Eso es antigüedad. Y la Creedence. Y Hendrix. Y Joplin. Y Canned Heat. Podríamos seguir años citando. Es música clásica. Nuestro gobierno no ha estado los últimos años soltando del orden de 4-5 millones de euros al año para pagar casi íntegros -o sin el casi- los sueldos de músicos profesionales para que las interpreten por ahí. Lo ha hecho con la música clásica clásica, que es una división que no se sabe quién hace, pero que ahí está. Hemos tenido una orquesta pública -la OSN- y nosotros sin enterarnos, algunos. Qué cosas. Me parece muy bien, pero como la incultura musical -mía también, por supuesto- no solo alcanza al Canon de Pachelbel, al Adagio de Albinoni o al Ave María de Schubert no veo por qué no tenemos también un grupazo que toque los temas de hace 50, 40 y 30 años a la gente joven que no tiene ni puta idea de quién es John Bonzo Bonham, Stu Cook, Gram Parsons, Nina Simone o Paul Simonon. Es cultura, se lo aseguro. Cultura de la buena. Bien, igual alguno tendría el pelo largo y alguna llevaría pendientes en la nariz y donde le plazca, pero es cultura. Clásica y acojonantemente buena. De hecho, ha movido al mundo, de hecho muchas de las cosas de las que ahora disfrutamos, muchos avances, muchos logros, se crearon escuchando esa música brutal. Es buena. Muy buena, escalofriantemente buena. Pero no hay dinero para eso, lo hay solo para sostener a una clase de música, dirigida a una clase de público, muy concreto, muy bien tratado, en comparación. Tampoco hemos tenido -oficialmente- escritores a sueldo, pintores, poetas, escultores -bueno, jeje-, trapecistas, humoristas o lo que sea. No. Solo ha habido para eso. Empleados públicos elegidos por dedos privados. Una puta vergüenza muy clásica.

Bueno, pues ahí queda eso.  Poco más se puede decir.  Únicamente una reflexión personal:  a la lista de abominaciones musicales ideadas por los políticos en este país, yo añadiría aquel lamentable concurso televisivo que pretendía crear estrellas de la canción, todo ello en horarios de máxima audiencia, y promocionarlos con un dinero presupuestado por TVE con el dinero de todos.  Todo ello sin tener ni puta idea del asunto, sin saber que una estrella nace, no se hace, quien tiene el talento lo tiene de nacimiento.  Otra cosa es que consiga exteriorizarlo.  Pues eso, consiguieron hacer millonarios a varios jovenzuelos a base de adormecer a la población con una sobreexposición masiva.  Recuerdo a la siempre sensata Aurora Beltrán entrando en directo vía telefónica para dar su opinión sobre ello en un programa de ETB 2 (canal de la televisión vasca en castellano) y explicando que a los elegidos para ese programa se les estaban promocionando con el dinero de todos los españoles, incluidos artistas que, como ella, no tienen la oportunidad de ofrecer su música a los televidentes en horario estrella, y que además les hacen la competencia en cuanto a ventas discográficas.  Las casas de discos se las ven y se las desean para cuadrar su presupuesto relativo a la promoción de sus artistas, mientras TVE promociona a sus elegidos sin coste alguno.  Como siempre hace, Aurora Beltrán hablando clarito.  Por cierto, no escuché a ningún otro artista hablar de todo ello con esa claridad.  Da que pensar.

Por otra parte, y sin dejar de lado el tema del artículo de Jorge Nagore, es evidente que el Rock Clásico está bastante maltratado en este puto país.  Porque, como muy bien dice, alguna vez se tendrá que equiparar a la música clásica.  Pero ¿cuándo?.  Supongo que, por ejemplo, lo que Vivaldi, Schubert, o Paganini hacían en los tiempos que les tocó vivir fue música contemporánea, música de su época.  Fue después, en algún punto, cuando se convirtió en clásica, supongo.  Yo creo que el Rock Clásico ya está en la frontera de convertirse en música clásica, no lo que se conoce como estilo musical, la “Música Clásica”, sino como música intemporal, música que se recordará en la historia, música que creará influencias en las generaciones posteriores, música que se estudiará en los colegios junto a Beethoven, Bach, o Sarasate.  Ojalá.  Porque no nos engañemos, Shakira, Alejandro Sanz, Lady Gaga, Britney Spears y demás estrellas de plástico, nunca van a pasar a la historia de la música, como sí lo harán Madonna o Michael Jackson.  Cuando se retiren o saquen un disco que no cale entre la población consumista, de ellos no se va a acordar ni dios, el público de consumo masivo es así, y ejemplos los hay a puñados (¿dónde están todas aquellas estrellas pop prefabricadas de los 80?).  Ahora bien, Little Richard, Deep Purple, Cream, Led Zeppelin, Mike Oldfield, Hendrix, Beatles, Stones, Elvis, Bob Dylan, Pink Floyd, Queen, Janis, Black Sabbath, Marc Bolan, AC/DC, The Who… (dios, podría tirarme así todo el día), no es que vayan a pasar a la historia de la música, sino que YA SON HISTORIA DE LA MÚSICA POPULAR.  Música Clásica.

Tenemos un troll en el blog

Extraído de  la Wikipedia, aquí os dejamos lo que en el argot de los internautas es conocido como un Troll.

"En la jerga de Internet, un troll describe a una persona que publica mensajes provocativos, irrelevantes o fuera de tema en una comunidad en línea, como un foro de discusión, sala de chat o blog, con la principal intención de provocar o molestar, con fines diversos y de divertimento, a los usuarios y lectores en una respuesta emocional o, de otra manera, alterar la conversación normal en un tema de discusión, logrando que los mismos usuarios se enfaden y se enfrenten entre sí. El troll puede crear mensajes con diferente tipo de contenido como groserías, ofensas, mentiras difíciles de detectar, con la intención de confundir y ocasionar sentimientos encontrados en los demás."


Y en esas estamos queridos amigos y amigas, mientras la cosa no ha pasado mas allá que de inundarnos la sección de comentarios falsos y de dudosa moralidad, amen de la falta de respeto y educación, los hemos ido filtrando como hemos podido y seguramente en ese riesgo hemos borrado alguno que estaría escrito de buena fe, ahí es donde actúa la confusión y la dificultad del saber, pero cuando nos hemos dado cuenta que ese mismo “troll” se ha ido pasando por otros blogs amigos intoxicando y poniéndonos a parir gratuitamente, hemos decidido que ya basta, y por eso esta nota.

Es tal el hartazgo que nos provoca esta penosa situación que de momento hemos decidido tomarnos unos días de reflexión y ya veremos hasta cuando, para ver que es lo que hacemos con el blog.

Eso es todo amigos y amigas un fuerte abrazo para tod@s.

Tom Gillam : Tardes de Luz y Sonrisas

Empezamos a parecer una maravillosa sucursal de ese espacio delicioso llamado Southern Rock que tan cojonudamente regenta el amigo Farfulli. Sin el cual, este gran disco no hubiera llegado a nuestras orejas. Inmensamente agradecido caballero.

Tiempos perversos. Demasiados claroscuros en espacios que tenían que ser libres y abiertos. Todas esas personas confundidas o, directamente, perversas que pululan a sus anchas por un mundo que deja hacer, temeroso de que esa miseria le salpique, hacen de esta vida, en demasiadas ocasiones, una cucharada de aceite de ricino, de aquellas que los franquistas de antes, padres y abuelos de los de ahora, nos hacen tragar con demasiada frecuencia.

Escribía Goethe que los pecados escriben la historia, el bien es silencioso. Y coincido con él. La música de la bondad suena demasiado baja. Está demasiado aislada y la escuchan muy pocas personas.

Hoy en día sale casi gratis ser mala persona. La ponzoña se extiende como un mancha de pus casi imparable, casi, porque, contrarrestamos esa bazofia con lo que tenemos a mano. Sentido, sentimiento, sonrisas y risas. Y música y mucho, mucho Rock N Roll.

Esa magia imperecedera, poderosa, optimista y llena de luz en invierno y sombra en verano. La música que buena gente pare, igual con dolor y pesar y que, sin embargo, se eleva por encima de todos esas hienas morales que siempre están al acecho. Música de buena gente que hace buenas canciones. Algo que , como titula Tom Gillam en su séptimo disco de estudio, es bueno para ti.

Tras “Rustic Beauty” el de Austin ha pergeñado una belleza llena de momentos luminosos y tiernos. Plagadas, sus doce canciones, de armonías americanas, guitarras brillantes y voces que alzan vuelo por encima de una mediocridad que, siempre, siempre, estará varada a sus miserias, anclada a un suelo de rencor y necedad que cada uno se crea a sí mismo.

Las buenas cosas pasan, si uno se lo trabaja. Ves a gente que, con todo caído, el trabajo desaparecido, sudando los problemas que a todo dios acucian y pensando que no va a llegar al último tramo de la carrera afrontar la vida con una sonrisa, y no puedes sino sentirte un poco estúpido y miserable por quejarte de tus problemillas de mierda, esos que se solventan con nada.

Las buenas cosas le sucedieron a Gillam cuando el batería de su superbanda, U.S.Rails, Matt Muir, le dijo a Tom, que era capaz de producir ese disco que Gillam siempre había deseado hacer. Y la ostia, lo ha conseguido. Y no, Tom, no es que tus otros discos sonasen mal, ni mucho menos..pero es que este “Good For You” es poderoso y pleno de sonrisas y luz. Un disco que te hace sentir que el camino por el que avanzas es un buen lugar por el que pasear, un mejor lugar para sentarse y observar como la vida se mueve como una hoja de otoño bailada por el viento. “Good For You” es un precioso medio tiempo así como “A Train, The Rain & Other Things” con esos deliciosos coros góspel y esa harmónica que envenena el corazón.

Los sonidos más rurales se asientan en canciones que, podría haber escrito e interpretado John Mellencamp como, “Come The Morning” el sonido Blues- Roots de “Something's Not Right” o la guitarrera “Put Me In The Ground” con un estilo que lo acerca al gran Ryan Bingham.

Doce canciones emocionales y emocionantes donde Gillam canta con un convencimiento y una honestidad absoluta. Corazón y alma llena de buen rollo y sonrisas para estos atardeceres otoñales que tan rápido se aproximan en la tarde y envuelven el alma en un calorcito evocador de otros momentos dulces e intensos. Música para escuchar frente a una ventana, con la oscuridad cayendo sobre la ciudad o para esos amaneceres donde el sol sale sonriendo y llenando el mundo de luz.

Tom Gillam -  Come The Morning

Tom Gillam -  A Train, The Rain & Other Things

The Earth Angels : Celestiales

En este mundo insano y devaluado uno agradece sobremanera a esa buena gente que pulula por él. Buena gente que amablemente y sin ninguna necesidad de retribución te pone en la pista de joyas musicales como las que hoy visitan nuestro/vuestro blog.

Una de esas personas maravillosas, sabedora de que a una de las partes integrantes de este binomio bicorporal y unicerebral le arranca el alma y la echa a volar ese estilo musical tan norteamericano llamado Doo-Wop, originario de los primeros años del Rock N Roll, tuvo la deferencia de ponerle en el camino de las armonías vocales, los intrincados y etéreos juegos de voces graves, agudas, barítonas etc… de una banda de¡¡alucina, Barcelona!!. Un grupo asombroso que atiende al nombre de Earth Angels.

El grupo inició su singladura en 2007 cuando Christian Carrasco, (hijo de Rafael Carrasco, segundo batería del grupo español de Rock de los sesenta Los Sirex, anunció en una página web que buscaba un cantante de Doo Wop y encontró a Jordi Majó, el vocalista principal y uno de los tíos con la voz más acojonante que este que suscribe ha tenido la fortuna de escuchar en tiempos.

Desde ese momento, y con el objetivo de conseguir el sonido callejero característico de los clásicos del Doo-Wop (Street Corner Style), hicieron actuaciones basadas en la tradición músico vocal de los años cincuenta, ofreciendo actuaciones en la calle, así como en emisoras de radio y televisión por la zona de Catalunya y Baleares. Con la incorporación de Joan Carrasco, hermano de Christian, dieron forma a la primera versión del tema Step by step del grupo The Crests. A partir de 2010, se une a la banda el tenor Pol Daurella. La banda era ya una realidad poderosa y mágica.

La especialidad de esta formación catalana de armonía vocal, consiste en versionar temas considerados como rarezas de este género, inicialmente grabadas entre 1958 y 1964, aunque también componen sus propias melodías, hecho este que les ha valido que hayan sido arropados por la compañía discográfica Rare Rocking Records.

La banda ha tenido un triunfo más que notable en Estados Unidos donde, ¡¡flipa!!, fueron invitados al festival de Doo Wop de Pistburgh, Pensilvania, temazos como “Teenager In Love” sonaron en un recinto repleto de fanáticos del Doo-Wop y además se codearon con grandes del género como The Edsels, o  The Quotations.

Este grupo envenena el alma y pinta sonrisas indelebles a todo aquel y aquella que se pare a escuchar, con la ilusión de los niños, canciones que nunca pasaran de moda. Que tienen la pátina de la eternidad grabada a fuego en cada nota de cada canción. Y obliga al alma a quedarse parada en una esquina cualquiera de cualquier ciudad y escuchar todo ese puro sentimiento, esa pasión, esa inocencia que destilaban las bandas de la época y a querer volar hacia esos lugares mágicos donde nada era oscuro, mísero, cruel ni despreciable.

Escuchar a  Jordi Majó es un verdadero lujo para las orejas, ese deje tan Sam Cooke…¡¡¡Joder, es que es muy bueno el tío, la ostia!!, y sentir que está arropado por una maquinaria  armónico-vocal de la leche, como son los demás miembros de la banda hace que la escucha de este álbum sea una experiencia memorable. Un paseo por los primeros años de este monstruo maravilloso llamado Rock N Roll que es capaz de emocionar con canciones como “Duke of Earl” , “Just one more change” o “Weakness” a los Heavys, a los Hard Rockers, a los Roots N Folkies o a cualquiera con un gramo de alma en el cuerpo.

Alma..a eso se resume todo. A sentir, a dejarse llevar..a querer ser algo mejor cada día y a compartir, con cariño, bellezas como esta. Ofrecidas con el corazón, sólo por el amor a la música. Si esto no es celestial, no lo es nada.

PD: La parte donde viene la información de fechas y datos sobre la formación del grupo han sido extraídas de la Wikipedia

¿Que fue del P.M.R.C.?

Te advierto que el escrito que vas a leer a continuación contiene lenguaje y expresiones malsonantes, así como incitaciones al sexo y al satanismo.   Es tu elección seguir leyendo o dejar de hacerlo.  Es nuestro deber avisar antes de adentrarse en la lectura.  Una vez dicho esto, y confirmando, por supuesto, que se trata de una broma, una cosa es segura:  si has llegado hasta aquí, es porque has seguido leyendo.  Y es que la naturaleza humana no puede resistirse a la curiosidad.  Es inevitable.  Basta que alguien nos diga algo así como: “esta puerta no se puede abrir, cualquier otra sí, pero ésta concretamente no, está terminantemente prohibido”, para que hagamos caso omiso y nuestra primitiva curiosidad nos obligue entornar la puerta para intentar descubrir que es eso tan misterioso que nos han prohibido ver.

Pues bien, algo parecido es lo que les ocurrió a millones de jóvenes norteamericanos que, un buen día, se despertaron con las tiendas de discos repletas de vinilos y CD’s en los que unas misteriosas pegatinas adheridas a las cubiertas de los discos advertían del peligro potencial que las letras o temáticas de sus grupos favoritos podían causarles.  Y claro, como no podía ser de otra manera la juvenil multitud se lanzó sin cuartel a la compra de esos discos “prohibidos”.

Muchos recordaréis aquella majadería, la mayor persecución censora contra el mundillo musical que se ha dado en la historia.  O cómo Tipper Gore, esposa del ex-vicepresidente Al Gore, decide fundar el Parent Music Resource Center (PMRC) junto con otras esposas de congresistas y senadores, a fin de concienciar a los padres sobre la “tendencia cada vez mayor de los artistas en mostrar en sus letras explicitamente el sexo y la violencia, o que glorifican el consumo de alcohol o drogas”.  Las soluciones propuestas iban desde lo absurdo (la impresión de las letras en la contraportada), hasta la censura pura y dura (sustituir o tapar determinadas portadas).  Finalmente se acordó con las compañías discográficas el uso de un adhesivo en los discos que informase sobre el contenido de la letra del disco en cuestión.  Asimismo tras meses de presión sin cuartel por parte de dicha organización, el Senado inició una serie de audiencias a fin de investigar lo que el PMRC demandaba.  Frank Zappa, John Denver, y Dee Snider (toma ya!!) se encargaron de la defensa de los músicos.  Antes incluso del fin de dichas audiencias, la industria aceptó el uso de las pegatinas con el mítico “Parental Advisory, Explicit Lyrics” en los casos en que el PMRC lo demandara, dándose casos verdaderamente surrealistas, como poner la pegatina en un disco de Sonny Boy Williamson (el mítico bluesman que lleva muerto desde 1948) o en un disco de Frank Zappa que resulta ser… instrumental!!!!  Se publicaron listados de canciones calificadas como “asquerosas”, se intentó el pago de un impuesto especial para los discos implicados, e incluso las compañías discográficas, ante lo que se avecinaba, intentaron disuadir a los artistas para que moderasen su lenguaje a fin de no crear problemas al PMRC (obviamente se negaron).  Por su propia idiosincrasia, el Heavy Metal fue el principal damnificado, con bandas como Twisted Sister, Judas Priest, Ozzy Osbourne, WASP, Mercyful Fate, Motley Crue, AC/DC, Venom, Black Sabbath..... en el punto de mira de la asociación.  Aunque también otros géneros musicales fueron investigados, el Heavy Metal estuvo a un paso de la censura.

Pero lo que a las compañías discográficas dejó boquiabiertas fue el efecto que toda esta movida tuvo entre el público, justo el contrario de lo que el PMRC pretendía.  Cualquier disco con el adhesivo “Parental Advisory” se convertía en éxito de forma inmediata, mutiplicando sus ventas y haciendo millonarios a artistas y discográficas.  Frank Zappa todavía se estará descojonando en su tumba, seguro.  El PMRC es el responsable de que muchas decadentes estrellas del rock se convirtieran de la noche a la mañana en multimillonarios, y todavía hoy les están agradecidos.  Incluso algunos artistas dedicaron alguna de sus canciones a este sinsentido (“We’re Not Gonna Take It” de Twisted Sister, “Hook In Mouth” de Megadeth, “Censorshit” de Ramones……., y otros menos conocidos: “Fuck The PMRC” de Pistolgrip.)

¿Y finalmente que fue del PMRC?  Pues nada, en cuanto vieron que las ventas eran directamente proporcionales al número de pegatinas, se refugiaron en el agujero más oscuro y alejado de la civilización intentando pasar desapercibidos.  No, en serio, el “éxito” de su iniciativa, fue el principio del fin para la organización.  A día de hoy sus creadores se arrepienten de haber formado parte de todo aquello, incluso Tipper Gore y su esposo, el ínclito Al Gore (Premio Nobel de la Paz 2007, manda huevos…), han renegado de aquellos hechos declarando que “el PMRC fue un error”.  Una vez mas se ha demostrado que, en cualquier ámbito de la vida, el intentar cualquier tipo de censura es algo condenado al fracaso.  Que los políticos españoles vayan aplicándose el cuento.

Gwyn Ashton : Un trueno rugiendo en la cima de una montaña

Como un alud de rocas cayendo en medio del invierno más crudo de Gales. Como una tormenta en el mar del norte o una tempestad en el desierto más árido de Australia, la música de Gwyn Ashton se despliega, terrosa, cruda dolorosamente poderosa entre las canciones de “Radiogram” la última obra del galés, adoptado australiano, ya que emigró en 1960 a la zona sur del continente, a Adelaide, concretamente. Se estuvo moviendo por el país durante años, a Sydney, Melbourne etc… y de paso, grabando discos como “Feel The Heat”(1993) y “Beg, Borrow & Steel” (1996).

Su marcha a Europa coincide con una prolífica sucesión de conciertos donde telonea a todos los grandes y, de paso, se marca un discazo, “Prohibition” con gente tan legendaria como, Chris Glenn, Ted McKenna o Don Airey.

En 2009 otro pedazo de disco de esos que te arrancan la boina de las ideas preconcebidas respecto a lo que significa ser un guitarrista de Blues-Rock “Two-Man Blues Army”  un despliegue de savoir faire macarrónico y lleno de una chulería y un fuego Blues –Rockero que se torna tan necesario para el ánimo, en ocasiones, como respirar.

Y llegamos a “Radiogram” donde  Ashton ha creado otro puñetazo sonoro de altísimo octanaje desplegado en diez canciones que suenan como excavadoras en medio de un pantano donde se realizan ritos vudú. Temas que arrancan el alma del cuerpo “Little Girl”, ”I Just Wanna Make Love”,esa canción que me tiene envenenao y atiende por el nombre de “Coming Home” la preciosa “Angel”  o  el tema con que finaliza el disco “Bluz For Roy” magnificas canciones interpretadas por magníficos músicos. Ashton a la guitarra, el bajo y una voz que es como mascar tierra del desierto australiano. "Killer" Kev Hickman a la batería y un maravilloso elenco de músicos invitados como  Don Airey (Deep Purple, Rainbow, Whitesnake, Black Sabbath), Kim Wilson (Fabulous Thunderbirds), Robbie Blunt (Robert Plant, Bronco, Silverhead), Johnny Mastro (LA’s Mama’s Boys), Mark Stanway (Magnum, Phil Lynott) y Mo Birch.

Temas que se despliegan como serpientes de cascabel, ocultos en notas que hacen que la palabra crudeza adquiera otro sentido. Poderoso, volcánico, arrollador.

Gwyn Ashton señoras y señores un trueno rugiendo en la cima de una montaña.


Gwyn Ashton - For Your Love

Gwyn Ashton - Comin' Home